導演萊恩·庫格勒的最新電影《罪人》初看或許像是吸血鬼驚悚片，但其真正精彩之處在於對1930年代密西西比州的鮮明描繪。透過將歷史上被譴責為「惡魔音樂」的藍調融入敘事，這部電影深入探討了以非裔美籍演員為主軸的角色生活，並由麥可·B·喬丹分飾雙胞胎兄弟斯莫克與斯塔克的雙重表演所錨定。

IGN的埃里克·高曼在其熱烈評論中讚揚了這種獨特手法，指出：「除了驅動吸血鬼的嗜血本能，《罪人》更洋溢著音樂能量——從兄弟倆經營的場所中薩米（米爾斯·卡頓飾）和三角洲斯利姆（戴洛里·林多飾）的藍調表演可見一斑。庫格勒將這些表演轉化為審視音樂如何連結跨世代人群的透鏡，無論他們是否自覺意識到這種傳承。就連魅力十足的吸血鬼首領雷米克（傑克·歐康奈爾飾）也體現了這一主題——他與愛爾蘭民間傳統的聯繫日益突出，映照出藍調的文化共鳴。」

庫格勒巧妙並置非裔藍調與愛爾蘭民謠，以凸顯人類與吸血鬼之間共通的殖民創傷。這兩種音樂類型皆擁有震撼的場景片段，正如高曼所觀察，《罪人》儼然成為「音樂的毗鄰——讓觀眾*感受*聲音如何超越時間，使創作者永垂不朽。」

在近期專訪（經修飾以求清晰）中，庫格勒討論了電影的音樂骨幹、突出的場景序列，以及為何吸血鬼反派雷米克對他而言具有堪比《黑豹》中「齊爾蒙格」的個人意義。

IGN：藍調音樂在定義角色世界觀中扮演什麼角色？

萊恩·庫格勒：它肯定了角色完整的人性。藍調與教會共存——雖是美國最早的音樂方言，卻被貼上罪惡標籤。這種矛盾令我著迷。若教會滋养靈魂，藍調則擁抱*完整*的自我：肉體、痛苦、慾望、憤怒。它毫無妥協。廉價酒館成為神聖空間，讓人展現真實自我——在那裡，一個人能坦然承認：「我有缺陷，但那又如何？」這既是反抗*也是*慶典。

以棉田勞工為例：他們在工作中無法流露脆弱或感性。但在酒館裡？無需面具。音樂宣告著「我痛苦、我渴求、我*活著*」——這些往往是佈道詞會刪減的內容。藍調不批判虛偽，因它承認我們皆矛盾共生。

「我從未像理解雷米克這樣與反派產生共鳴。書寫這個角色純粹是種享受。」

IGN：您如何解讀吸血鬼的集體認同？他們跨越種族隔閡團結，卻又拋棄個體性——此點開放解讀。

庫格勒：待電影於4月18日上映後，它便屬於觀眾。他們從中看見任何內涵？皆屬合理。但就個人而言？雷米克是我自齊爾蒙格以來創作過最貼近內心的反派。

我想讓他顛覆期待——一個*選擇*與這些人群為伍的吸血鬼，儘管擁有力量卻能理解他們的掙扎。當揭曉他*並非*眾人畏懼的種族主義威脅時，那種解析過程充滿衝擊力。

25部必看吸血鬼電影

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IGN：酒館與吸血鬼舞蹈場景超乎凡俗，您如何構建其視覺語言？

庫格勒：這些場景*正是*電影的心跳。愛爾蘭踢踏舞誕生於壓迫——僵化的形式隱藏反叛。同樣地，藍調訴說著《吉姆·克勞法》禁絕的痛苦。當雷米克在1932年接觸克拉克斯代爾的黑人社區時，他認出了靈魂伴侶。

我想讓現代觀眾體驗我幼時看《侏羅紀公園》的震撼——那種將不可能化為血肉觸感的影院魔力。如何達成？透過對比。悲傷轉為舞蹈，歌聲化作對抗殖民者的武器。這就是電影製作的魔力。

《罪人》幕後花絮

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IGN：一鏡到底的酒館場景扭曲時間以展現音樂的世代迴響，靈感來自何處？

庫格勒：電影語法讓我將*感受*轉譯為影像。可曾觀賞大師演奏時感覺靈魂出竅？藍調正是如此——它以最美好的方式「摧毀」你。長鏡頭將觀眾推入這種狂喜，同時致敬酒館存在的初衷：為被剝奪歡樂之人提供庇護所。

時間維度上？若音樂足夠動人，1930年代的佃農*或許*能與2025年的後裔共舞。這即是我追尋的永恆性。

「在葬禮上，我們舞動穿越悲傷。無論非洲或愛爾蘭——兩種文化皆深諳此道。」

IGN：吸血鬼的愛爾蘭民謠場景同樣驚人——尤其那叛逆的能量。

庫格勒：愛爾蘭民謠蘊藏双重性。以《前往都柏林的坎坷路》為例——在狂熱歡愉中述說怪物與掙扎的故事。雷米克身為吸血鬼卻吟唱*關於*食屍鬼的歌曲？充滿詩意。兩種文化皆將反抗嵌入歌謠：被奴役的非洲人用暗碼傳訊；愛爾蘭人以雙關語嘲弄佔領者。

這種共同精神——在壓迫面前大笑——正是雷米克與這些人類締結的紐帶。當他說「我們不會讓他們看見我們哭泣」，這成為*所有*受壓迫人民的頌歌。而捕捉此般瞬間？這就是我拍攝電影的意義。